Village Voice - New York, USA - October 1992
Frankfurter Allgemeine Zeitung - Frankfurt, Germany - 29. März 1994
Berner Zeitung - Bern, Switzerland - 1. Mai 1995
Basler Zeitung - Basel, Switzerland - 2. Mai 1995
New York Times - New York, USA - May 17, 1997
Village Voice - New York, USA - May 20, 1997
Village Voice - New York, USA - June 3, 1997
Westdeutsche Zeitung - Germany - 12. Juni 1997
ABC cultural - Madrid, Spain - 13. Junio 1997
MUSICWORKS, No 68 - Canada - Summer 1997
Kölner Stadt-Anzeiger - Köln, Germany - 7./8. März 1998
Frankfurter Allgemeine Zeitung - Frankfurt, Germany - 22. April 1998
Rheinische Post - Düsseldorf, Germany - 9. März 1999
ArtsNews & Reviews - (Toronto Star) - Toronto, Canada - March 18, 1999
TV Today, Nr. 25 - 4. Dezember 1999
Kölner Rundschau - Köln, Germany - 10. November 1999
Kölner Stadt-Anzeiger - Köln, Germany - 11. November 1999
Kölner Stadt-Anzeiger - Köln, Germany - 29./30. Januar 2000

Quick repeated chords are a recurring feature. They begin in the strings and end in the piano part, as brass and percussion add pointed yelps and shrieks. Ms. Alvear has a good orchestral imagination. Divided string sections create woozy sonorities. The swooping brass glissandos fascinate. Her music does not develop; it accumulates: layers added, layers taken away. . . .

. . . Ms. Alvear, I am sure, has tried here to convey a world-embracing generosity, a sense of inclusiveness. . . .

. . . Maria de Alvear tells me the number is growing, but when pressed she remembers only a half-dozen. And non of them is as original, powerful, and shocking as the German-Spanish composer who - ... - has as striking an individual musical profile as any European under 50. . 

. . . de Alvear writes confrontationally personal music along sexual themes, with titles like Sexo and Vagina, often using her own speaking voice to declaim lyrics designed to disturb the audience. The combination of musical unconventionality and sexual forthrightness drives Europe´s male musicians away in droves. . . .

. . . Part of de Alvear´s problem is that she´s spearheading the same kind of spritual revolution that John Cage and Pauline Oliveros did here 30 years ago, and her complaints about Europe cho those of Downtown composers about the classical-academic establishment. . . . (Kyle Gann)

At around 63 minutes Maria de Alvear´s World for two pianos and orchestra was the only single, continuous orchestral movement I know of to surpass the finale of Mahler´s Eighth Symphony in duration . . . This made it a tremendously demanding work for both players (Petr Kotik´s heroic S.E.M. Orchestra) and audience, but also a musical universe in which one could wander around at leisure. The piece opened, May 15 at Merkin Hall, with a quiet chaos of dark, low tones dotted with percussion, crescendoing at last into quasi-minimalist repeated seventh chords. After a short silence, soloist Hildegard Kleeb´s piano entered surprisingly in a simple tonal chorale as if asserting ist own divergent reality, a chorale whose return 40 minutes later was equally unexpected.

Meanwhile, quarter tones from Joseph Kubera´s piano, hidden in the orchestra, set up a deliciously bent counterpoint. Drumbeats echoed from opposite sides of the stage, jingle bells fluttered nervously, and Ivesian fragments of melody bubbled up from the texture as if boiling over. Kotik, faced with a dauntignly unconventional conducting challenge, succeeded in keeping the orchestra tightly together through uncountable, Le Sacre-like pounding chords, and allowed the players to drift when they were supposed to drift.

Inevitably, the remaining three works, interesting anough in any other context, sounded old-fashioned by comparison. Alvin Lucier´s Sweepers swept the orchestra through a writing mass of glissandos, and Kotik´s own Adagio - a reworking of 1980 composition - was poignantly sad despite its aleatorically overlapping counterpoint. Paulive Oliveros´s From Unknown Silences seemed an inexplicable rip-off of 40-year-old Cage ideas, with players making noises at random-snorting, dropping music stands, and so on - in a field of silence, providing the only sour notes in an epic program. (Kyle Gann)

Westdeutsche Zeitung - Germany - 12. Juni 1997:
„Sonne weinte auf Sand und Salz" von Astrid Opitz

. . . Gleichsam faszinierend war die Intensität, mit der sie agierte, stimmlich als auch mimisch und gestisch, und mit der sie den Raum erfüllte. . . . Die Performance im Rahmen der Ensemblia baut auf ihren Erfahrungen mit Menschen auf, die unter primitivsten Bedingungen in der sibirischen Tundra leben. . . .

ABC cultural - Madrid, Spain - 13. Junio 1997:

Maria de Alvear – „Los directores de orquesta suelen ser personas con una gran vanidad y ansia de poder" - Madrid, S. Gavina

„Una revelación", es el dictamen con que la crítica neoyorquina ha recibido a la compositora española Maria de Alvear (Madrid, 1960) en su reciente presentación en el Merkin Concert Hall de esta ciudad, donde el S.E.M., dirigido por Petr Kotik, y con Hildegard Kleeb al piano interpretaron su obra „World". . . .

. . . De conversación fluida y apasionada, siempre supo lo que quería. . . .

MUSICWORKS - No 68 - Canada - Summer 1997:
„Creating space for Love" by John Sherlock

. . . It´s like when I come to a place and ask the owner of the house, „Where does the sun come up?" and they think, „Oh this esoteric lady ..." And they ask me, „Why?" and I say, „Because I want to know where I´m at." On earth! I want to know where I´m at ... physically, geographically, where I am, so I have the physical feeling of the room, the space in which I´m moving ... That´s reality ... that´s real. The sun comes up everey day and goes down every night. We forget that! Everybody runs into rooms. We come from one cage and go into another and we don´t see the sun moving. It´s incredible. Sometimes, when I am busy, I say to a friend, „Today, I have not seen the weather." And the real thing is the weather - it´s not the room and the business I´m doing; it´s the weather! (Clap) That´s the real thing that happened today on earth - much more important than anything else. That´s the point, and if I can give that to people through my music...

One of the things my music teaches you - and it´s not through me but through you, playing - is where you stand spiritually, how far you go spiritually. That´s what my music does ... When you sit there and listen, you´re going to hear as far as you can hear, perhaps even farther than the player can communicate, because of another thing that I understood: that one note is a miracle; it´s enough. With one note on the piano - duc (plays note on invisible piano) there are such a number of worlds linked ... It´s the knowledge of the atmosphere. It´s talking about gravity. So many stories this one note tells us, that you cannot play wrong. Because nature, just the phenomenon of the sound, is so impressive ... That´s why a great composer for me is Alvin Lucier, who works with the phenomenon of sound.

Something else I had to deal with was the structure of music. This is a big secret I´m going to tell you right now: the structure of music is a reflection of your mind´s structure. We don´t have the sonata allegro form right now. Why? Because our mind-structure has changed. Our subconscious understanding of form has changed. Why!? Because we are becoming more free in the sense of being individuals. In the time of Mozart and Beethoven, order had a different meaning than it has now. Not the world - the world always has had the same order - but society ... Now, you see the difference between society and the world.

A composer´s mind, body, and spirit grow individually. And if that growth can be connected to society, then society will take it as a healing medicine. That´s why I say art is the best religion. We are shaman. Artists are medicine people for society and that is the way it is supposed to be. Joseph Beuys knew it. John Cage knew it. First, you create your own medicine-box and then you create your pharmacy, because first you have to know if the medicines work and then you can create the pharmacy for society. Most artists are stuck on the medicine-box. They just create their own medicine and very seldom do they understand their responsibility so far that they open up pharmacies.

I see composers as spiritual specialists and composing as an act of love. Never forget that making art is an act of love towards yourself or towards society. Either a small act or big act of love, depending on how far you can go, how far your body and spirit can take you. When you give like this to other people you are so happy when they can hear it. When Eve (Egoyan) tells me that she was going through really interesting things while she was playing my music and Rhonda (Rindone) says to me, „I have played a way that I have never played before. Thank your for that, Maria," I say, „No, don´t thank me. It´s you who did it; it´s just that my music gave you that space." My music is a means for interpreters to love. They can make their capacity for love grow just by playing. They can put all of their love-energy into that sound and give it to people and that´s an act of love. That´s part of the understanding of reality; of what priorities are, of what is important in life, what the medicine is, what makes us grow towards goodness, why there is good and bad, why we are sick, why people are dying. This is really important.

Kagel once said to me, „One day you will stop wanting to change the world" – as though this were adoslescent thinking. And inside of me I thought, „ Ooh. So that´s how far he goes." Now I know that the moment you stop wanting to change society, you stop writing music. In my opinion, when you stop making art, that´s your death. But that´s how far he is because he´s in that world, he´s in society, in that musical society-world. Actually, it´s quite a tiny little world, which is O.K., because there have to be people there. It´s a gift that I can go in and out. It´s hard work also ... It´s also a gift from the native nations that we are going to have to give thanks for. Many, many things are going to come from there. That is the other side. The artistic side is one, but the other is that in the world, in reality, things happen that are beyond what society can imagine – far beyond our understanding. That is the other side of my biography, which cannot be seen because it has to be in a place where it cannot be seen, a place that is private. That is where I´m the pupil, I´m studying. I know only this tiny little bit of reality. There is not a human life that could understand it all. You just go as far as you can go ... the wisdom is so profound.

La musique de Maria de Alvear, autant par son matériel hamonique et poétique qu´elle réalise au sein de sa durée, que par les thèmes métaphoriques qu´elle met en jeu, incarne la convition de de Alvear selon laquelle les éléments fondamentaux de la nature sont des éléments essentiels de nos vies, de la vie humaine. Ses partitions sans prescriptions rythmiques ou dynamiques avec seulement quelques informations poétiques à la Satie, invitent au plus haut point l´interprète à réaliser une interprétation. La compositrice d´origine espagnole vivant à Cologne, qui voit l´artiste comme un chaman et l´art comme un acte d´amour, parle ici de son oevre en rapport à la société et al spiritalité.

Kölner Stadt-Anzeiger - Köln, Germany - 7./8. März 1998:
„Der Enkel neuer Töne" von Stefan Rütter

. . . Aus dieser Schule ging auch die Deutsch-Spanierin Maria de Alvear hervor, deren äußerst vielschichtiges Werk neben musikalischen Arbeiten auch Installationen, Video-Kunst und sozialökologische Aktionen nach dem Vorbild von Joseph Beuys´"erweitertem Kunstbegriff" umfasst.

In ihrem Werk spielt die Schmerzmetapher eine besonders große Rolle. „Unsere Kultur" so bemerkt sie, „ist die Schmerzkultur überhaupt. Die Menschen leiden entsetzlich. Sie versuchen, den Schmerz zu ignorieren und merken nicht, dass sie sich damit in einen ganz anderen Schmerz hineinkatapultieren." Sie hat daher „bewusst gesunde Gesellschaften gesucht, um einen Vergleich zu haben." Bei den Indianern, mit denen sie einen Teil des Jahres verbringt, erlebt sie eine Art der Beschütztheit des einzelnen durch die Gemeinschaft, die auch zum Prinzip ihrer künstlerischen Arbeit wurde. Das geht bis in die Aufführungssituation hinein, wenn sie Schutzwälle aus verschiedenen Materialien bildet, die den Musikern, dem Publikum, selbst noch dem Kritiker einen „offenen Raum" schaffen, innerhalb dessen Freiheit und Selbstentfaltung erst möglich werden.

„Menschen, die sich mit Kunst auseinandersetzen", so Maria de Alvear, „brauchen sehr viel mehr Schutz, weil sie offener sind." Für ihre eigene Kunst gilt das in besonderer Weise: Sie berührt Themen, die heikel, wenn nicht gar tabu sind - vor allem in den „furchtbar prüden" Zirkeln der Neuen Musik. Bei Maria de Alvear geht es immer ums Große und Ganze, um Welt und Natur, um Leben und Tod, um Liebe und Schmerz. „World", „Sexo", „Vagina" - so lauten die Titel ihrer ausladenden, magischen, raumgreifenden Kompositionen. „Ich bin irgendwann aus der Gesellschaft ausgestiegen und in die Realität rein. Die Menschen verstehen nicht, dass Realität unabhängig ist von Zivilisation . Der Erde ist es völlig schnuppe, ob Menschen, Tiere und Pflanzen zugrunde gehen - der Planet und das Lebensprinzip bestehen immer weiter."

Es ist auch die Arroganz einer tausendjähringen abendländischen Musikkultur, der Maria de Alvear ihre Absage erteilt. Die Übernahme tradierter Formen und Strukturen macht sie ebenso verantwortlich für den Akademismus in der Neuen Musik wie für jene verhängnisvollen „Kitsch-Nischen" in die sich viele Komponisten zurückziehen. Beides ist die Folge einer existentiellen Angst: „Es gibt sehr viele Künstler, die sich mit Kunst zupanzern. Das emotionale Chaos wird hinter einem intellektuellen Gerüst versteckt."

Für Maria de Alvear setzt künstlerische Arbeit eine gründliche Selbstreinigung voraus, das gilt auch für die Interpreten: „Man muss immer wieder den trüben Matsch aus dem Wasserglas spülen, damit die persönliche, die individuelle Geschichte nicht auf die Musik aufgestülpt wird. Der emotionale Körper muss sauber sein. Wer seine Emotionen in die Musik projiziert, bekommt ganz große Schwierigkeiten."

Maria de Alvear lässt sich ihre künstlerischen Mittel nicht vom „guten Geschmack" diktieren. Beim „Romanischen Sommer" 1992 legte sie für eine Aufführung ihres Werkes „Raices 4" einen frisch geschlachteten Hirsch auf den Altarstufen von St. Peter nieder. Die Entrüstung war beträchtlich: „Hirsch für Show getötet", titelte die Boulevardpresse. Zwei Jahre lang widmete sich die Justiz der Frage, ob man ein Wirbeltier statt zu kulinarischen auch zu künstlerischen Zwecken ins Jenseits befördern dürfe. Begreiflicherweise kam bei diesem Prozess nicht viel heraus - aber doch zumindest die Erkenntnis, dass die brutale Wahrheit des Schlachtens längst hinter der tröstlichen Fiktion appetitlich verpackter Tiefkühlkost verschwunden ist. . .

. . . Die beiden ältesten, Maria de Alvear und Manos Tsangaris, sind zugleich auch die arriviertesten: . . .

Frankfurter Allgemeine Zeitung - Frankfurt, Germany - 22. April 1998:
„Frackhüpfen in E-Moll" von Hanno Ehrler

. . . Das hat sein Publikum, ebenso die Auftritte der weniger bekannten, in Köln lebenden Spanierin Maria de Alvear. Die Künstlerin hat sich mit indianischen Kulten und Schamanismus beschäftigt und bezieht diese Phänomene in ihre Kompositionen ein. „Libertad" das in der Darmstädter Stadtkirche aufgeführt wurde, ist ein anderthalbstündiger Gesangsdialog über verschiedene Texte zwischen Maria de Alvar und Enrique Lozano, gefärbt von Flamenco und arabischer Melismatik, auf einem Klangteppich aus zwei Klavieren, Posaune und Schlagzeug, dessen Binnenstruktur kunstvoll variiert wird. Mal hört man eher tiefere Klavierklänge oder mahnende Posaunentöne, dann glockenreines Klingen des Perkussionsapparates. Durch die Länge des Stücks ähnelte die Aufführung von „Libertad" einer scheinbar unendlichen Litanei, damit einer rituellen Handlung, die es wohl auch sein sollte.

Rheinische Post - Düsseldorf, Germany - 9. März 1999:

„Musik, die für Freiheit plädiert"

. . . Herzlicher Beifall für das Werk, das in seiner Mischung aus kÜhle und Wärme faszinierte Anziehungskraft entwickelte und gleichzeitig auf Distanz hielt. . . .

. . . sie provozierte geradezu, aber auf sympathische Art, eine lebhafte Kommunikation zwischen sich und dem Publikum. . . . wurde nachvollziehbar, dass die Musik für de Alvear nicht Selbstzweck ist, sondern Erkenntnismittel und Medium, das Kommunikation anregen soll. . . .

ArtsNews & Reviews - Toronto Star - Toronto, Canada - March 18, 1999:
„Musical mayham at Musical Gallery" by Geoff Champman

. . . Only the post-intermission ruminations and ethereal appeal of Maria de Alvear´s „La Tonta Del Bote" gave hope that music historians of the next millenium will recall with interest this period of sterile aimlessness.

„Gestattet mir, eure Lebensgeister zu wecken" ist das Motto der 1960 in Madrid geborenen spanischen Musikerin Maria de Alvear. . . .

Kölner Rundschau - Köln, Germany - 10. November 1999:

„Hände massieren Grenzen weg"

Komponisten über „10 Jahre Mauerfall" von Raoul Mörchen

. . . Maria de Alvears Musik, wuchtig, geballt, stetig pulsierend, mal gleichmäßig, mal fließend, . . .

. . . Offenheit für anderes und Respekt vor der Natur - alte Schlagworte, hier neu und hoffnungsvoll belebt aus aktuellem Anlass. . . .

Kölner Stadt-Anzeiger - Köln, Germany - 11. November 1999:
„Schmelzender Schnee" Konzert zu 10 Jahre Mauerfall von Hans Elmar Bach

. . . der Spanierin Maria de Alvear tatkräftig und einsatzfreudig ...

... Mit Temperament und südländischer Hitzigkeit rückt Maria de Alvear in „Land" ihrer Aufgabe zu Leibe. Eine Videoinstallation von heiler Landschaft, in der Adler und Wolf sich frei bewegen, aber auch die sinnige Massage zur Entfernung von Landkarten-Tätowierungen coram publico, die sich die Künstlerin auf Rücken und Oberschenkel hatte auftragen lassen, macht auf die Aberwitzigkeit von Grenzbeziehungen aufmerksam. Das Instrumentarium zieht dabei weniger die Konzentration auf sich als die beiden explosiv deklamierenden Rapper, die zwanzig Minuten lang Parolen in Mikrofon hämmern und lautstark eine bessere Welt aus dem Boden stampfen möchten: „ Macht die Erde und das Leben zum Garten Eden . . ." Aber auch die Einstellung „Es ist nicht leicht, Deutscher zu sein" - die Spanierin muss es ja wissen - gehört zu den vehement eingetrichterten Sentenzen. Der Applaus war so vorhersehbar wie berechtigt. . . .

Kölner Stadt-Anzeiger - Köln, Germany - 29./30. Januar 2000:

„Schillernder Tropfen im Sturzflug"

– Musikfabrik präsentiert Werke zeitgenössischer Komponistinnen (E.H.)

. . . Die „wahre Welt" beseelter Natur hält Maria de Alvear der Gesellschaft und ihren Errungenschaften entgegen. Die Uraufführung ihres Stücks „Gota, . . . überraschte und betörte zugleich: . . . lange noch im Ohr. Helle Freude des Publikums. (E.H.)